Gian Maria Volonté, un attore contro.

"Che ne resti la memoria, era tutta la mia vita"

 "Lo sguardo di Ulisse"1995 

Di Theo Anghelopolus

 

“Quante volte noi ci chiediamo: Che cos'è un attore? Nei riguardi della rappresentazione l’attore è la materia per mezzo della quale si manifesta lo spirito dell’autore, la materia più nobile o come tale la più ribelle. Materia umana, materia autonoma; strana contraddizione in termini: ma la realtà e se vogliamo, il dramma dell’attore, è proprio in questa contraddizione: Essere materia, cioè dover subire un’impronta del genio altrui, essere autonomo, cioè soffrire di questa imposizione o goderne, che è un po’ lo stesso” Orazio Costa. La regia teatrale. 1939

Indagine di un cittadino al di sopra di ogni sospetto.
Elio Petri. 1970

"Il suo infinito talento nasceva da una congenita insicurezza 

mascherata di aggressività. 

L'impressione finale è che lui non si amasse.

 Non quanto l'amavamo noi" 

Gianni Amelio parlando di 

Porte aperte. 

Una breve premessa... 

In questi ultimi cinque anni ho avuto il privilegio di  far "nascere" il cinema, ogni inverno, ripercorrendo le sue storie ed i suoi aneddoti. Accadeva il mercoledì, alle 21:00, in un'ampia stanza d'altri tempi situata nell'ultimo piano di uno stabile antico, con soffitti affrescati. Ero insieme a persone che, col freddo e con la pioggia, così come con la luna piena, cenavano in gran fretta e venivano a farmi compagnia, concedendomi di decidere, in modo forse poco democratico, di cosa avremmo parlato. Ufficialmente si chiamano "corsi", ma non amo come suona. Da un corso ci si aspetta tutto un assetto accademico che qui  mancava. Mancava l'urgenza degli esami, il bisogno di rispettare il programma, e così mi è parso logico andare incontro alle esigenze dei partecipanti. Non sempre facilissimo, soprattutto per chi veniva senza un grande interesse per l'argomento, ma è la parte forse più stimolante di questo tipo di situazioni. Ho cercato di smuovere molle, di azionare curiosità verso l'argomento, che forse è ciò che bisogna aspettarsi da questo tipo di situazioni, e per qualcuno so che ha funzionato.

Naturalmente ritengo di dover ringraziare chi mi ha permesso questa esperienza ormai giunta al termine che per me, persona, è stata davvero importante. Sedersi davanti ad estranei che si aspettano "sapienza" mi è parso un concetto impegnativo da gestire, ma l'ho fatto con serietà ed impegno, perché le cose che amo, le faccio così, e naturalmente il clown che c'è in me è venuto fuori con prepotenza quando qualcuno cedeva alla tentazione della pennica. Hanno anche riso. 

Quest'anno il programma, qualora il corso si fosse tenuto, sarebbe stato interamente focalizzato su Gian Maria Volonté. 

Ho trascorso del tempo, durante l'estate e nei messi appena passati,  leggendo libri, guardando film ed interviste sul tema, ed è stato bellissimo ripercorrere le orme di Gian Maria Volonté provando nostalgia per qualcuno che sento molto vicino ma anche irrimediabilmente lontano.

Un ragazzo di vent'anni mi ha detto di non aver mai visto nessun film di "questo attore". Ripensandoci, ho realizzato che Volonté sta al piccolo schermo come io sto alla palestra, quindi per chi usa la televisione come unico punto d'incontro col cinema, Volonté non è mai morto, perché, semplicemente, non è mai nato. Mi dispiace enormemente e vorrei che gli fosse in qualche modo resa giustizia. 

Da_ Un attore contro. Libro/documentario. 

Il mio viaggio nel mondo di Volonté parte dalla fine, dalla parola non detta, dal film che non ha potuto finire perché è morto. Aveva soltanto 61 anni quando si è spento. Era sul set di Theo Anghelopolus col quale stava girando il film: “Lo sguardo di Ulisse” (finché dura, lo trovate su  you tube in versione integrale. Trovate il link a fine post). Era il 6 dicembre del 1994. La sera prima, racconta il regista, Volonté se ne stava solo, in fondo all'autobus che li riportava in albergo e lì beveva vino e cantava le canzoni della sinistra italiana in un tempo in cui, col senno di poi, sembrava già utopia parlare di sinistra come Volonté la intendeva. Forse quel brindare fra sé e sé, cantando, era un modo artistico di congedarsi dalla vita, ma non poteva sapere che stava girando il suo ultimo ciak. Se è riuscito a rendersi unico anche in questa occasione, è solo perché come l’Ulisse che dà il titolo al film, Volonté indossava il senso epico del personaggio che emerge e che brilla anche in mezzo alle folle per grandezza e per senso del viaggio, alla scoperta del nuovo, alla scoperta di se stesso, lottando contro i mostri e contro le paure che diventano il recinto e poi il limite invalicabile di tanti antieroi.

Il titolo del post è desunto da un breve dialogo registrato per il film nel quale l’attore interpreta il ruolo del vecchio direttore della cineteca di Sarajevo, che si affanna a salvare quel che può, in termini di cultura filmica, dalla guerra che incombe. Il compito del custode è di fare in modo “che ne resti la memoria”, perché se è vero che, come recita il suo personaggio: “era tutta la mia vita”, non è sbagliato dire che quella vita era anche la nostra, e con essa, il dovere di memoria. L’abbiamo vista scorrere in pellicola quella vita, alle prese con molteplici mutazioni che fanno pensare ai camaleonti quando assumono il colore del sasso per confondersi ad esso, ma fanno pensare anche alla più volgare schizofrenia. Un attore di talento indossa le vite degli altri fino a dimenticarsi di sé, e quando arriva a somigliare ai suoi personaggi anche fisicamente, allora qualcosa di importante è avvenuto. Pia degli Esposti parla di Volonté come di un matto, ma lo dice con occhi ammirati. E’ un’idea di follia che pone enfasi sulla lucidità estrema, sulla coscienza che spetta a pochi illuminati, che leva dal tran tran delle vite quotidiane. Lui era altro, e che lo si odiasse o lo si amasse, era impossibile non farci caso.

Volonté è nato come attore di teatro, sin da giovane ha recitato per il piccolo e per il grande schermo e prestissimo ha conosciuto il grande successo, senza mai montarsi la testa. Volonté ha prestato i suoi connotati a personalità molto diverse fra loro, come Caravaggio, Giordano Bruno, Aldo Moro, da lui interpretato in due film diversi al punto che a fatica si ritrova una consonanza fra l’attore ed il personaggio, che è sempre Aldo Moro, ma che è raccontato rispettivamente, come vittima di un sequestro da parte delle brigate rosse, quindi come uomo lasciato solo dalle istituzioni e condannato a morire, e poi nelle vesti di democristiano, quindi di uomo politico che era parte dell’ingranaggio. Volonté è stato anche un commissario al di sopra di ogni sospetto, è stato un operaio vittima del sistema di produzione, è stato Lucky Luciano, il “cattivo” che fece tremare chi lo vide come se si fosse trattato di quello vero, tanto gli somigliava. E’ stato Sacco ed anche Vanzetti, ha infatti recitato entrambi i ruoli, uno a teatro, da ragazzo, uno al cinema, da grande.  Nella versione filmica, finita la ripresa del suo discorso davanti ai giudici, il regista era sollevato all'idea che fosse buona la prima, tanto Volonté si era preparato, ma dovette ripetere la scena perché solo alla fine si accorse che una delle guardie, dietro all'attore, piangeva emozionato per ciò che Volonté stava dicendo. La sua fama iniziale deriva da fiction tv come “L’idiota” di Dostoevskji che raggiungevano in prima serata, buona parte degli italiani, la sua notorietà internazionale, la deve almeno in principio, ai famosi spaghetti western, anche se la lista dei suoi ruoli di successo sarebbe troppo lunga per pensare di elencarla qui.

Più di ogni cosa, Gian Maria Volonté è stato figlio del suo tempo, un attore contro, calcando il titolo del bellissimo “Uomini contro”, sull'assurdità della guerra. E’ stato un attore-interprete, un uomo definito spesso difficile, ingestibile, tuttavia, sono stati in molti ad amarlo fino alla venerazione, così come molti l’hanno detestato di un astio sincero. Fra quelli che l’hanno amato, penso ad Ennio Fantastichini di cui ho apprezzato le abilità attoriali nel film “Porte aperte”dove scoprivo con uno strano stupore, un interprete che, in fondo, non sospettavo neppure. Ho avuto modo di vedere la registrazione del commovente discorso di addio di Ennio a Gian Maria, e mi è scesa una lacrima. In piedi, in lacrime davanti al feretro, conclude il suo saluto con un banale: “Ciao amore” chiaramente detto col cuore, così come è evidente la sua stima per il collega ogni volta che ne parla nelle svariate interviste. Penso infine che abbiamo avuto attori di grande talento in Italia, ma il solo che mi appare morto davvero nelle intenzioni di chi manovra i fili del piccolo e mediocre schermo, è soltanto lui, Gian Maria Volonté, oso dire, il migliore.

Allego il link al bellissimo monologo tratto dal filmSacco e Vanzetti, di cui parlavo poco fa. Il problema dei link su you tube, è che hanno vita breve, quindi ad un certo punto potrebbe oscurarsi, ma basta scrivere qualche parola chiave sul motore di ricerca google, ed in qualche modo, si può arrivare ai contenuti cercati.  

"Non lasciatemi al buio, voglio stare davanti al mare" queste le intenzioni di Volonté riportate dal medico Antonio Severini. La sua tomba si trova nell'isola della Maddalena, di fronte al mare.

Link you tube, finché dura, al film in versione completa "Lo sguardo di Ulisse" , ultimo film di Volonté. 

Gian Maria Volonté

Gian Maria Volonté
http://www.gianmariavolonte.it/

"Io accetto un film o non lo accetto, in funzione della mia concezione del cinema. E non si tratta qui di dare una definizione del cinema politico, cui non credo, perché ogni film, ogni spettacolo, è generalmente politico. Il cinema apolitico è un'invenzione dei cattivi giornalisti. 

Io cerco di fare film che dicano qualcosa sui meccanismi di una società come la nostra, che rispondono a una certa ricerca di un brandello di verità. Per me c'è la necessità di intendere il cinema come un mezzo di comunicazione di massa, così come il teatro, la televisione. Essere attore è una questione di scelta che si pone innanzitutto a livello esistenziale: o si esprimono le strutture conservatrici della società e ci si accontenta di essere un robot nelle mani del potere, oppure ci si rivolge verso le componenti progressiste di questa società per tentare di stabilire un rapporto rivoluzionario tra l'arte e la vita." 

Gian Maria Volonté- 1984. 

da "Un attore contro" -BUR- 

"Come tecnica di recitazione, io non entro e non esco dai personaggi. Calarsi o non calarsi, lo so, in giro ci sono questi luoghi comuni. Non esiste, secondo me, una tecnica unica e precisa. Si può interpretare un personaggio in totale immersione, ma può avvenire anche il contrario. Diderot sostiene che l'attore, mentre comunica allo spettatore una grande emozione esplorando i territori inquietanti della tragedia, magari pensa alla trattoria dove andrà a mangiare dopo lo spettacolo. Ma questo è un paradosso. Io so bene quali percorsi faccio, però ho sempre un fondo di scetticismo nel parlarne perché mi rendo conto che in questo Paese tutti pensano che si possa essere o non essere attori,in qualsiasi momento. Invece non è vero, ci sono discipline che richiedono anni di frequentazione. John Travolta non è uno preso al Piper e messo per caso in Saturday night Fever: ha alle spalle una tradizione di grandissima professionalità, che richiede otto, dieci ore di lavoro al giorno. Ora, dire come si svolgono le mie otto, dieci ore di lavoro al giorno qui, a questo tavolo, con i miei quadernetti, i miei tempi, la mia pazienza, il mio riflettere e il mio dedicarmi alle documentazioni, mi pare anche imbarazzante...." 

Gian Maria Volonté- 1987. 

da "Un attore contro" -BUR- 

da: Indagini su un cittadino... 

Sono passati vent'anni dalla morte di Gian Maria. Vista l'importanza del personaggio, ci si aspetterebbe una partecipazione attiva per farlo "tornare", proprio il giorno della sua dipartita. Solo in parte, così sarà. 

Rai1 sarà alle prese con i balli della Carlucci; 

Rai2 ci delizierà col fondamentale "castle" e a seguire, "elementary" ugualmente vitale. 

Rai3, canale"cult"... "Ulisse, il piacere della scoperta" e poi "un giorno in pretura". 

Rai4 ci allieterà con "Ghost Whisperer"... Rai premium "Rebecca la prima moglie" con Alessio Boni e la Capotondi - che dire...- 

Il solitario e brillante Rai movie propone: "Caccia a ottobre rosso" e  "Into the wild"
 
IRIS è il solo canale che dedicherà una rassegna televisiva all'attore. Non ci resta che dire grazie ad IRIS. 

"Amour" di Micheal Haneke 2012

"Tu me tues, tu me fais du bien"  Hiroshima mon amour
Emmanuelle Riva. 

Il solo piacere di chi arriva tardi a certi appuntamenti, consiste nel fabbricarsi fiamme fatte in casa attorno ad un argomento ormai "digerito" ed archiviato dal grande pubblico, come succede per film come questo, che compaiono, sbancano e poi rimangono come sospesi nella mente di chi li vede, per sempre incastrati nella cornice alta della palma d'oro a Cannes, che tutto (o quasi) assolve ed eleva da qui a per sempre, che è il tempo degli dei. 

I Film "entrano" sensualmente in chi li guarda, passando per occhi ed orecchie, subiscono poi un fisiologico e necessario processo di assorbimento durante il quale il già noto si unisce all'ignoto, per alimentare quel che si sapeva e quel che invece ...no. 
Assumere film nel quotidiano, incastrarli nella routine è stato un po' scendere a compromesso, ovvero accettare a voce alta il nostro gusto quasi morboso per "Le vite degli altri". (Giocando coi doppi sensi, In comune con Haneke... Ulrich Mühe, nella foto)  

"Le vite degli altri" 2006. Purtroppo l'attore muore un anno dopo.

Con Haneke in tre film:
1992: Benny's video.  (Il secondo film del regista)
1997: Il castello. Adattamento di Kafka per la televisione austriaca.
1996: Funny games  

Compiaciuti guardiamo e, con avidità praticamente erotica, cerchiamo l'immagine e con essa di piacere, e ci preme che dallo schermo arrivi altro, che quelle esistenze misere, gloriose, o "qualunque", siano migliori delle nostre o incredibilmente peggiori, e persino in quelle uguali uguali, intuiamo che qualcosa ci separa, e questa è la finzione, il potere di restringere giorni di vita grigia in un semplice frame, o nell'assurdità di certe didascalie che ricordano i film muti, perché muto è il tempo assente. 

"10 anni dopo" 
...

...e restare interdetti.  

In vita, 10 anni sono l'eternità, l'ossessione della sveglie alle sette, di risvegli più o meno storti, caffè in monocromatica successione di tazze e ambienti, odori,  volti incrociati o persi per sempre, ritrovati, metabolizzati, routine di pranzi e cene ed in sintesi, se qualcuno mai si disturbasse a girare, raramente dal montaggio verrebbe al mondo  un film d'autore. Divago, è chiaro. Mi attengo comunque al titolo, e spiego il mio. 

2012. 

Che succedeva in quell'anno? 
Ripercorrere il calendario che fu, aiuta forse a cogliere il tasso di labilità della memoria su fatti che allora sembravano indimenticabili, e anche la quantità di riferimenti filmici che quasi ogni evento e nome si porta appiccicato addosso.

L'anno inizia all'insegna del naufragio, da intendersi in senso ampio, metaforico e concreto: Costa concordia inscena un copione già visto nella storia dei tempi: Il Titanic, quello di Cameron (1997) per senso epico, e quello reale, nel 1912, che vedeva affondare fra le acque dell'oceano, l'ottimismo della Belle Époque, a un passo dagli Stati Uniti e dalla prima guerra mondiale. (1912-2012, più che date, sembrano ... anniversari? Coincidenze astrali, ovvero...fatali)

Sempre "acquatico" è il dilemma eterno dell'eterno fluire: Le onde, la vita, gli immigrati, il senso ultimo del partire, il viaggio narrato su libri e nei film, e poi nomi come Lampedusa, che da soli evocano un mondo di anime sommerse disposte a caso e senza pace nei fondali. Sopra è identico, perché si vaga ugualmente senza pace, stipati, e sperando di non morire. 

Nel 2012 come da copione, muore molta gente qualunque, di cui nessuno narrerà il finale, altra storia per i divi, e per chi ha aggiunto una virgola alla storia del mondo, e le ragioni di tutto ciò suonano ovvie e comprensibili.  

Withney Houston (48), Lucio Dalla (69), Donna Summer (63), Antonio Tabucchi (68),Ray Bradbury (91)Oscar Luigi Scalfaro (93), Renato Dulbecco (98), Rita Levi Montalcini, a 103 anni di grazia e sapere, Neil Amstrong (82), Micheal Clarke Duncan (54) il grande uomo de "il miglio verde" John Coffey... che si pronuncia come la bevanda, ma si scrive diversamente. 

In politica: Elisabetta II celebra 60 anni al trono del Regno Unito, Putin viene eletto per la terza volta in Russia. In Francia si "osa"col socialista Hollande, in USA, Obama viene riconfermato. Quanto a noi, a dicembre Monti si dimette, in un drammatico passaggio di agonie. 

E anche... 

Nobel per la pace all'Europa, la speranza... ce ne fosse! ...

Non posso non citare...il bosone di Higgs e La curiosa particella di Dio ( Angeli e Demoni ... a film.)

Infine le stragi che sono l'orrore della mente, e l'orgasmo dei media: 
punita quella di Oslo (77 vittime. 22 anni di galera, prolungabili all'infinito) ed impunibile quella americana del Connecticut, perché il matto, dopo aver ucciso 20 bimbi e 6 adulti dentro una scuola elementare, si è suicidato.  

Questa la fonte delle notizie riportate. Ce ne sono altre naturalmente. 

Tornando a noi, cioè al cinema: Cannes 2012. 
Palma d'oro per Amour. 
Gran premio della giuria: Reality di Garrone.
Presidente di giuria: Nanni Moretti. 
Poster del festival: Omaggio a Marilyn Monroe a 50 anni dalla sua morte.
... Eccetera... 

"Amour"

Micheal Aneke 

Palma d'oro a Cannes 2012 

Regia: Micheal Haneke nato il 23 marzo 1942 a Monaco di Baviera. -72-

Figlio d'arte (Attore e regista il padre, attrice la madre), si laurea a Vienna in filosofia e psicologia.

Inizia con la critica, come fu per i registi della Nouvelle Vague, poi lavora in televisione.  Nel 1989 il primo film. Lui è il tipo che, alla presentazione di una proiezione che lo riguarda, augura al pubblico una visione "Mentalmente irritante". Dice no al cinema fatto di risposte preconfezionate, rassicuranti e dal ritmo dinamico, collaudato al botteghino. Ad esso preferisce un film in cui le domande lasciano spazio a risposte individuali. Chi è il vero responsabile degli strani fatti che accadono nel penultimo "Il nastro bianco?" Non lo sapremo mai in modo chiaro ed oggettivo, ed è lievemente frustrante, non meno di quanto lo siano i fatti di Cogne o altri fatti di cronaca in cui il colpevole è intuibile, ma nega pertanto il dubbio resta.

Afferma il regista -lo dico a parole mie- che se il romanzo ha accettato la sua emancipazione, dunque l'impossibilità ovvero l'ingenuità che sta nel pensare di raccontare la vita in modo compiuto, certo cinema fatica a seguire lo stesso percorso. 

"Film is 24 lies per second at the service of truth, or at the service of the attempt to find the truth."

“Un film è 24 bugie al secondo al servizio della verità, ovvero al servizio del tentativo di trovare la verità”
...

Subito dopo precisa che la "verità" è un concetto per lo meno aleatorio. 

Per strano che appaia Haneke è un regista francese, anche se parla tedesco. 

Juliette Binoche è stato il suo punto di incontro con la Francia.
L'attrice lo contatta per eventuali collaborazioni, e così, quasi per caso, il nuovo secolo segna per lui un cambio di direzione. Motivo? Semplice; in Francia esiste un pubblico appassionato a questo genere di opere, di conseguenza, esistono produttori, attori "giusti" e così via. Penso a qualcosa che ha detto François Truffaut  e che ho letto di recente: 

Buoni o cattivi, i miei film sono quelli che ho voluto fare e solo quelli. Li ho girati con attori -famosi o sconosciuti- che avevo scelto e che mi piacevano. Se un giorno mi si rifiuterà un progetto, andrò a girarlo in Svezia, o anche più in là. So che se tutti i miei progetti personali fallissero, finirei per accettare qualche lavoro su commissione e che il risultato non sarebbe per forza scadente, ma fin qui ho tenuto duro, e mi sono trovato bene.

F. T -Link al post- 

Haneke ha fatto lo stesso... e la sua Svezia, è stata Parigi, dove approda, dicevo, nel 2000, con "Storie" in italiano e in francese: "Code inconnu, recit incomplet de divers voyages". 

Questi i titoli dei suoi film: 

Il settimo continente. 1989. 104 min. 
Benny's video. 1992. 105 min.
71 frammenti di una cronologia per caso.  1994. 96 min.
Il castello. 1997. 123 min. Adattamento di un romanzo di Kafka, per la televisione austriaca.
Funny games 1997. 103 min.. Remake nel 2007 in USA (108 min)
Storie.  2000. 117 min. palma d'oro a Cannes. 
La pianista 2001 130 min: Adattamento di un romanzo di Elfride  Jelinek (Nobel lett. 2004)
Il tempo dei lupi 2003. 114 min. (1968 "L'ora del lupo" Brergman) 
Niente da nascondere 2005 120 min. 
Funny games. Remake 2008. 108 min.
Il nastro bianco. 2009. 144 min. Bianco e Nero. Palma d'oro a Cannes. 

Amour 2012.  Palma d'oro a Cannes 
                        Golden Globe come migliore film straniero. 
                        Oscar come migliore film straniero.  
                        BAFTA awards: Migliore film straniero... e molto altro. 

Tre Palme d'oro, non sono esattamente la regola nella carriera di un regista, ed a confermare il suo talento, ci sono gli altri premi ugualmente prestigiosi. Quanto a me, lo stimerei anche se a Cannes gli avessero tirato i sassi. 

Frame dal film. Anne (E. Riva) suona il pianoforte.

In sintesi estrema: Nel film si narra di una storia d'amore fra due persone mature. 

Cast: 
Anne: Emmanuelle Riva
Georges: Jean-Louis Trintignant 
Eva: Isabelle Huppert
Geoff: William Shimell

Anne: Emmanuelle Riva, a tutti nota per Hiroshima mon amour 1959 di Alain Resnais sceneggiatura di Marguerite Duras- e nello stesso anno, Kapo, di Pontecorvo- gira Amour quando ha 85 anni ed è, a mio avviso il suo il ruolo più difficile ed intenso. 

Alla fine di alcune scene, è sconvolta, e le serve del tempo prima di tornare in sé. Il regista le ricorda più volte che è "solo un film", e lei concorda, ma le risulta difficile tenersi fuori da un personaggio come quello di Anne, a 85 anni. E' così brava da farci dimenticare di essere un' attrice, precisa il regista. Quanto a lei, in merito ad Amour: "Tutto ciò è fragile, come la vita". Il pubblico afferma che vederla recitare aiuta a risolvere quesiti in merito alla bravura degli attori che quotidianamente affollano gli schermi di ogni dimensione. 

Georges: Jean-Louis Trintignant, ai tempi ha 82 anni. Lo associo istintivamente al clacson assordante di Gassman nel film: "Il sorpasso" di Dino Risi 1962, ma allora l'attore, aveva già al seguito più di dieci film, a partire dal noto "E Dio creò la donna" di Vadim -1956, con una provocante Brigitte Bardot, allora moglie del regista. 

Tristemente note le sue vicende personali. Nel 2003 muore la figlia Marie, nata da seconde nozze nel 1962, in seguito a lesioni per percosse inferte dal marito, il cantante dei Noir Désir. 

Il suo ultimo film risale al 1998, e con Haneke aveva lavorato per "il nastro bianco" nel 2009, al quale ha prestato la voce Off della narrazione, voluto dal regista per via del timbro di voce dell'attore, universalmente riconoscibile, tuttavia, i due non si erano ancora mai incontrati. 

L'attore riferisce che, letto il copione, temeva l'effetto patetico, infatti non riesce a decidersi sul da farsi. A convincerlo è la produttrice, che insiste molto. D'altronde, il regista, ispirandosi ad una realtà autobiografica relativa a sua zia, che aveva tentato il suicidio, pensa questo film quasi appositamente per Trintitgnant, di cui desidera esplorare le capacità interpretative. Racconta durante un'intervista allegata nel "Making off" del film, di aver sofferto un po' durante le riprese, perché proponeva dei modi di dar vita al personaggio che il regista rifiutava, costringendolo a rifare la scena molte volte, fino a che otteneva quel che aveva in mente. Comunque, alla fine è rimasto più che entusiasta del film, e non esita a definirlo il miglior regista col quale abbia mai lavorato. 

Eva: Isabelle Huppert, già Anne Laurent, nel film: "Il tempo dei lupi" 2003, e prima: Erika Kohut, nel film "La pianista" 2001, per il quale è premiata come migliore attrice protagonista. Nel 2009 incrocia il regista a Cannes, per "il nastro bianco", che riceve la palma d'oro (Qualcuno ha avuto da ridire sul fatto che lei era la presidente della giuria quell'anno. Ho visto il film proprio ieri sera, e lo trovo degno di nota e altro rispetto a "Bastardi senza gloria", ugualmente interessante, e non per forza minore. I premi sono solo convenzioni quando due o più lavori meritano lodi, per motivi diametralmente opposti, come in questo caso.)  Nel film Amour, lei interpreta il ruolo della figlia dei due ex insegnanti di musica in pensione. E nelle rare ed accurate sue apparizioni nella casa, assiste da testimone esterno e praticamente impotente, al declino dei suoi genitori. Lei è la forza "razionale", ma la coppia è fatta di due persone, e neppure la figlia in questo caso, è troppo libera di entrare.

Notavo, ma forse è solo una coincidenza, che nel suo primo film: "Il settimo continente" i personaggi principali sono tre, e si chiamano come in questo caso: Anna (La madre), Georg (il padre) ed Eva (la figlia, che in quel caso inventa problemi alla vista, e l'occhio in primissimo piano, mi fanno pensare a Buñuel e al bisogno di vedere le cose con un'altro sguardo). 

Anche nel film "il settimo continente" ci sono porte sigillate, e morti autoindotte, ma le ragioni sono diverse. La Huppert inoltre, richiama per forza di cose il film nel quale recita il ruolo di una pianista di conservatorio, ed insegnante. Mi sembra che l'incontro con l'allievo a casa dei due, quando Anne chiede al ragazzo di eseguire un pezzo di Beethoven che gli era ostile, ricordi qualcosa della freddezza della Huppert nell'altro film. 

Geoff: William Shimmel interpreta la parte del marito della Huppert.

Alexandre Tharaud link al suo sito.
Prima che attore è un pianista conosciuto. Viene scelto perché sa suonare, anche se nel film, ogni musica viene interrotta subito, o prima della fine. Il primo titolo che aveva in mente era: "La musique s'arrète" (La musica si interrompe) perché è questo che in pratica accade ai due, poi sceglie il titolo "Amour" e precisa che il film non ha intenti di compiacimento per questioni geriatriche, ma, come dice il titolo, racconta la difficoltà di amare l'altro, di saperlo in difficoltà senza poterlo aiutare.           [ Presidente a Cannes era Nanni Moretti, che in questo film ha ritrovato un patto fatto con sua moglie Susi in caso di necessità.]

Il film ha una struttura circolare, inizia infatti dalla fine. e anche i personaggi si muovono come animali in gabbia seguendo percorsi sempre simili e circolari.  

Dei pompieri forzano la porta per entrare, e poi inizia la storia dei due. Straordinario che, verso la fine, si dimentichi di aver già saputo del finale, e ci si aspetti qualcosa di indefinibile. La loro storia "da vivi" è raccontata a partire dall'oscurità di un teatro, nel quale riconosciamo i due che ascoltano un concerto, presto interrotto (come già detto), poi l'autobus, e poi la casa, che è tutto lo spazio occupato dai due. La stanza come luogo interiore, e anche trappola in caso di malattia. Nel setting, Haneke ricrea l'ambiente della casa dei suoi genitori. Si tratta, dice il regista, del film più personale che abbia mai girato, e quindi non vede l'ora di finirlo (Ricorda Truffaut con "I 400 colpi"). Dice anche che, terminato un progetto, poi non ci pensa più, se non per le interviste. 

Straordinaria sobrietà e perfezione, la scena della colazione, quando di due capiscono che lei ha un problema. Riva vorrebbe piangere, ma il regista non lo permette per evitare di scivolare nel patetico. I due "resistono" ciascuno a suo modo, a questa novità che irrompe nella loro vita e che, in parte, per età, devono aver preso almeno in considerazione. 

Durante le prove. 

A seguire, la consultazione medica, la solita ricorrenza statistica che sta dalla loro. Sono benestanti, quindi è presumibile che  non si siano accontentati di medici qualunque, ma di eccellenze. Tuttavia, le statistiche sono  illusioni quando osservate dal singolo perché, se il 98% delle persone ce la fa, è bene non dimenticare il 2% che rimane. 

"Questa volta l'ho preso, ma l'ho liberato" 

La finestra è la sola via di fuga in questa casa che appare blindata, nonostante la serratura, in principio, fosse stata forzata, e dunque li esponeva ad un rischio. 

Vediamo Georges che si affaccia a prendere aria, Anne che prova invano a saltare, la pioggia che entra, e poi un piccione. Quando scrive la sua ultima lettera, dice che questa volta l'ha liberato, e se anche il regista si limita a dire che forse il solo motivo per cui il piccione è entrato in quella casa è che a Parigi ce ne sono molti, è quasi impossibile evitare il parallelo con la moglie che "ha provato a volare". 

Ugualmente splendida la scena dell'incubo di lui, e quella della badante. 

Potrei continuare ancora per molto, ma sarebbe abusare della bellezza e ridurla a parole che, per quanto entusiaste, non renderebbero giustizia a un film da vedere. Difendetelo se qualcuno lo ridurrà alla storia di una vecchia che muore malata, perché è un film che si chiama Amour, e questo sentimento si respira, fino alla fine, ma al netto da ogni romanticismo, sfiorando tematiche molto complesse, pur nella loro estrema sensibilità e semplicità. Penso sempre in questi casi al titolo di un film che purtroppo non mi è parso all'altezza delle aspettative che prometteva, ovvero: "Quando nasci, non puoi più nasconderti", eppure è questa la tendenza promossa ad oltranza, nascondersi, dimenticare la nostra natura così che, a tempo debito, ci colga di sorpresa e soli. Preferisco accendere la luce, perché aiuta ad avere meno paura. Grazie Haneke per questo magico film. 

Micheal Haneke. 

Allego qualche riferimento via you tube, finché rimarranno on line ovviamente. 

Haneke: successo serie tv è ottima notizia dagli effetti imprevedibili

Tradotto in italiano. Dura 7 minuti e 25. 

Michael Haneke Documentary - 24 R per S

Qui si parla francese, tedesco ed inglese. durata 56 minuti circa. 

MICHAEL HANEKE on VIOLENCE - cine-fils.com

tedesco con sottotitoli in inglese. Dura sui 7 minuti. 

Michael Haneke - My Life (2009/Arte)

Tedesco, sottotitoli in inglese. Dura circa 50 minuti. 

TRAILER italiano.

American Beauty - Scena della Busta

"Era una di quelle giornate in cui tra un minuto nevica, e c'è elettricità nell'aria. Puoi quasi sentirla, mi segui? e questa busta era lì, danzava con me, come una bambina che mi supplicasse di giocare. Per quindici minuti. E' stato il giorno in cui ho capito che c'era tutta un'intera vita dietro ad ogni cosa, e una incredibile forza benevola, che voleva sapessi che non c'era motivo per avere paura, mai. Vederla sul video è povera cosa, lo so, ma mi aiuta a ricordare. Ho bisogno di ricordare. A volte c'è così tanta bellezza nel mondo, che non riesco ad accettarla, e il mio cuore sta per franare."

"Germania anno zero" 1947/48

Roberto Rossellini. 1947/48 BN, 78 minuti (It-Germ-Fr) 

#AppuntiDiCinema

“Germania anno zero è un film freddo come una lastra di vetro. Documentazione cronachistica di una certa realtà, quella arida disperata del dopoguerra tedesco, con la sua fame, le sue perversioni, i suoi delitti. Certo, non è uno spettacolo, a vederlo non ci si diverte, ma non si poteva fare diversamente”

Roberto Rossellini

 

Edmund Meschke e

Roberto Rossellini

Scheda tecnica:

Regia: Roberto Rossellini;

Produzione: Roberto Rossellini, Salvo D’Angelo, Alfredo Guarini per Telefilm/sadfi/UGC;

Sceneggiatura: Roberto Rossellini, Carlo Lizzani; Max Colpet, Sergio Amidei 

Fotografia: Robert Juillard  Montaggio: Eraldo da Roma  Scenografia: Piero Filippone

Musica:  Renzo Rossellini.

Premio: Al Festival di Locarno nel ’48  come miglior film, e come miglior soggetto originale.

Molte le lodi, poche le critiche, ma spesso era la politica a determinare un giudizio, non la qualità dell’opera.

“Il mondo del cinema si era riorganizzato, aveva ritrovato le sue abitudini e il suo stile d’anteguerra, e Germania anno zero veniva giudicato in base a tale estetica d’anteguerra. D’altra parte anche il mondo politico si era riorganizzato e giudicava il film in funzione della politica. Le critiche a Germania anno zero mi rivelarono ciò che i giornalisti pensavano rispettivamente sul problema tedesco, ma non furono di alcuna utilità sul piano critico. Allora fui davanti a questo dilemma: O la prostituzione o la sincerità”.

Roberto Rossellini.

“Germania anno zero, ha innanzitutto un grande merito: Quello di far conoscere al mondo , attraverso il grido straziato e sincero di un autentico poeta , il duro destino e la realtà di un paese, il calvario materiale e spirituale dei suoi abitanti . Cogliendo con estremo rigore il dramma di un popolo in profonda crisi umana e sociale, Rossellini suggerisce indirettamente a tutti gli uomini un messaggio di pace e fratellanza”  

Massimo Mida nella rivista “Bianco e nero” (n°1, marzo 1948)

"Quando le ideologie si discostano dalle leggi eterne della morale e della pietà cristiana, che sono alla base della vita degli uomini, finiscono per diventare criminale follia. Persino la prudenza dell'infanzia ne viene contaminata e trascinata da un orrendo delitto ad un altro non meno grave, nel quale, con la ingenuità propria dell'innocenza, crede di trovare una liberazione dalla colpa."

Incipit.  

Trama:

Berlino, 1947: La famiglia del piccolo Edmund (13 anni) è composta da  un padre malato  di cuore e allettato, un fratello nascosto a causa dei suoi trascorsi nazisti, e una sorella che talvolta si dà ad ambigue frequentazioni notturne, per racimolare qualcosa, ma è a Edmund, il più piccolo, che spetta il compito gravoso di mantenere la sua famiglia.

Lo vediamo lavorare in un cimitero, dove si scavano fosse, ma viene licenziato perché denunciato dagli adulti come “Troppo giovane”, dunque inadatto (toglie lavoro a loro). Ruba dei pezzi di carbone, viene scacciato in prossimità di un cavallo morto per strada, che attira molta gente affamata. Vive insieme ad altre famiglie, per disposizione statale, e il padrone di casa, tollera male la presenza di questi estranei. Non perde occasione per rubare sulla luce, e su quel che può. Edmund si impegna a vendergli la bilancia pesa-persona della figlia –stupida- e viene imbrogliato da un uomo losco. Incontra per caso un insegnante pedofilo e nazista che lo aveva avuto in classe. Questi lo porta a casa sua, lo accarezza morbosamente e lo manda a vendere dischi contenenti discorsi di Hitler a militari americani. Intanto conosce due ladruncoli di strada, e prova a seguire il loro esempio. A casa i litigi aumentano perché il padre rimprovera il fratello vile, e ingiustamente, dà uno schiaffo al ragazzo perché rientra molto tardi. Palese è l’ingiustizia di quel gesto, e si finisce col simpatizzare col ragazzino. Intanto il padre peggiora e deve andare in ospedale, dove mangia bene (Ricorda una scena di Umberto D di De Sica) ma al ritorno a casa, i problemi sono sempre gli stessi. Edmund chiede consiglio al suo professore, che, sbrigativo, perché alle prese con un altro ragazzino,  tira fuori le sue tesi naziste, ovvero: Eliminare il peso morto della famiglia. Il debole. (fra Nietche –superuomo- e Darwin -la legge del più forte). Edmund prende alla lettera il consiglio e, tornato a casa, avvelena il padre con una tazza di thé. Torna dal maestro che, “inorridito” dal fatto (che lui stesso gli aveva consigliato) prende le distanze. Reazione isterica del ragazzo che piange, fugge e si sente tradito dal mondo degli adulti (a ciò si aggiunge la prima lezione dell’educazione: L’irreversibilità dell’esperienza). Segue un momento di “dispersione” in cui vaga lungo le strade, e salterella (come dovrebbero fare i bambini, e come faceva Romano, il figlio del regista, morto di appendice in Spagna poco prima) nello scenario di epica devastazione che si respira ovunque a Berlino. Entra i in una casa devastata, osserva da lontano (e dall’alto…che a mio avviso suggerisce una visione “oggettiva”, una presa di coscienza, proprio perché dall’alto)  e si getta nel vuoto per i sensi di colpa, sotto lo sguardo della sorella.

Germania anno zero, è il terzo film della “Trilogia della guerra” di Rossellini.

1_Il primo è “Roma città aperta” 1945, ambientato a Roma, a un passo dalla liberazione (le truppe alleate sono già sbarcate, dunque è questione di tempo).

2_Il secondo “Paisà" 1946. Film a episodi.

3_Germania anno zero 1947/48, è ambientato a Berlino, la città “nemica” perché è qui che nasce il nazismo (in una scena del film, è mostrato il luogo in cui la salma di Hitler è stata presumibilmente bruciata, e dei soldati americani si fanno una foto lì vicino. Altrove, dei soldati acquistano un disco contenente i discorsi del Fürer).  

Mi sembra importante vedere entrambi i film, quello romano e quello tedesco, in sequenza, per coglierne appieno lo spirito e le affinità tematiche. 

Tutti, in questa pagina di storia degli orrori, hanno perso buona parte del perdibile. Rossellini,  pur essendo sopravvissuto alla guerra, ha perso il figlio Romano per un’appendicite.

Ecco come il figlio Renzo Rossellini, ricorda questo evento:

Da "Chat room" 

Perché sceglie questo bambino per la parte di Edmund… (per altro, gli lascia il suo vero nome)

O.C. “Questo film è dedicato alla memoria di mio figlio Romano” è scritto su un cartello di testa del film. Tua madre, Marcella de Marchis, tempo fa mi rivelò che il protagonista del film, Edmund Meschke, per Rossellini fu quasi l’alter ego* del figlio deceduto. Ma fino a che punto la morte di tuo fratello Romano influì sul cinema di tuo padre?

*Secondo la moglie, Roberto ha rivisto in Edmund molto del figlio, soprattutto la fronte spaziosa. La scena della passeggiata 

= Papà si è portato appresso tutta la vita la morte del suo primo figlio. Dolore/domande. E’ logico pensare che quella morte abbia influenzato non solo Germania… ma tutti i suoi film successivi al 1946.

Dal libro: “chat room Roberto Rossellini”  (Vedi in fondo alla pagina per riferimenti IBS)       

  

La sua storia “individuale” finirà col mutare la sua visione d’insieme nei confronti della storia “collettiva”, suggerendo il bisogno di tornare ad una dimensione umana, a prescindere dalla terra di appartenenza.

“Il dramma comune di tutti i vinti della storia. Oltretutto… il primo film in assoluto in cui si osservi il conflitto dalla parte degli sconfitti, non per schierarsi con essi, ma promuovendone la pietà come antidoto all’odio.” –dal libro: “Chatroom Roberto Rossellini”

I tedeschi nel film, sono messi peggio dei Romani (che da loro vengono occupati), ma sono i bambini le vittime più esposte della guerra (non solo questa)

Gli adulti non esitano ad usare il bambino, o a liberarsene per interesse personale. (come non notare  la struttura, se vogliamo … circolare del film, che inizia attorno ad una fossa vuota che in parte Edmund contribuisce a scavare, e finisce con Edmund morto?)

In generale, ci giunge la sensazione che il bambino, pur essendo in balia degli adulti, non abbia nessun diritto alla parola, all’azione, alla storia, se non diventandone vittima o comunque, assorbendone le conseguenze.  

Rossellini redige due progetti di sceneggiatura per il film.

-Il primo  lo scrive mentre si trova a Parigi (sede della produzione: Union Générale Cinématographique). Propende in principio, per un racconto “corale”, in stile “Paisà”, e lo desume da racconti sulla Germania da chi, come Marlene Dietrich, era reduce da una lunga turnée al seguito delle truppe di occupazione americana. L’attrice in quel periodo ha una storia con Jean Gabin, (Rossellini con la Magnani) quindi non cade ai suoi piedi, come molte sue colleghe, comunque lo stima e lo considera suo amico.

-In un secondo momento, il regista va di persona a Berlino coi suoi collaboratori, e ne ha una percezione diversa rispetto ai racconti degli altri,  tanto che la sua prospettiva filmica si rovescia, fino ad optare per un film avente a soggetto un solo personaggio principale, e così nasce un secondo copione, quello definitivo (il primo è andato perduto).

-Lo stato d’animo:

-La percezione dei suoi collaboratori:

Carlo Lizzani, aiuto regista, racconta in un’ intervista... Di essere rimasto a Berlino un mese e mezzo, mentre Rossellini era a Parigi, ed ebbe modo di osservare con attenzione la vita della città. A lui si devono le scene del furto del carbone e del cavallo morto (I 400 colpi… c’è un cavallo/statua) inoltre il regista gli fa girare la scena del suicidio! –da chatroom…

Quel che resta di Berlino, serve alla regia, per mostrare la cornice di un quadro apocalittico che basta da solo a raccontare la pesante sconfitta di un’ideologia, di una nazione, di una follia collettiva, ma serve anche, e soprattutto a raccontare la proiezione sullo schermo delle ferite profonde che la guerra ha lasciato sull’anima di un bambino, -encicl. Cinema Treccani-

Il bambino di Rossellini è vittima del nazismo pur essendo tedesco. E' morto come i bambini ebrei, anche se in un caso la morte è stata subita, nell'alto caso è stata cercata, ma per cause di forza maggiore. Entrambe però sono vittime  della "storia", ovvero di un sacrificio del tutto evitabile.

Quindi un paesaggio urbano che, come in epoca romantica, evoca lo stato d’animo del suo personaggio.  Tutto nel film, rimanda ad una dimensione onirica ed ogni traccia di naturalismo che si era vista in altre opere che precedono il neorealismo, è completamente riassorbita e sublimata.

– Enciclopedia del cinema Treccani-

Anche la musica racconta precisi stati d’animo.

“La musica di mio zio –Renzo Rossellini- non è un optional nei film di papà, ma è parte del racconto, ne esalta lo spessore. Che piaccia o non piaccia. La musica dei grandi musicisti del cinema ha un valore relativo ascoltata disgiuntamente dalle immagini per le quali è stata composta. Papà era attentissimo a tutti gli effetti sonori, non solo della musica. Spesso voleva vedere in moviola le immagini accompagnate solo dal dialogo, rumori ed effetti, per capire se il montaggio aveva il giusto ritmo. 

–da Chat room….

Molto di questo materiale, è desunto dal libro: “Chat room Roberto Rossellini”

Conversazione fra Renzo Rossellini (figlio) e Osvaldo Contenti.  

link a IBS 
[Luca Sossella edit.. 15 euro. ]