Gian Maria Volonté, un attore contro.

"Che ne resti la memoria, era tutta la mia vita"

 "Lo sguardo di Ulisse"1995 

Di Theo Anghelopolus

 

“Quante volte noi ci chiediamo: Che cos'è un attore? Nei riguardi della rappresentazione l’attore è la materia per mezzo della quale si manifesta lo spirito dell’autore, la materia più nobile o come tale la più ribelle. Materia umana, materia autonoma; strana contraddizione in termini: ma la realtà e se vogliamo, il dramma dell’attore, è proprio in questa contraddizione: Essere materia, cioè dover subire un’impronta del genio altrui, essere autonomo, cioè soffrire di questa imposizione o goderne, che è un po’ lo stesso” Orazio Costa. La regia teatrale. 1939

Indagine di un cittadino al di sopra di ogni sospetto.
Elio Petri. 1970

"Il suo infinito talento nasceva da una congenita insicurezza 

mascherata di aggressività. 

L'impressione finale è che lui non si amasse.

 Non quanto l'amavamo noi" 

Gianni Amelio parlando di 

Porte aperte. 

Una breve premessa... 

In questi ultimi cinque anni ho avuto il privilegio di  far "nascere" il cinema, ogni inverno, ripercorrendo le sue storie ed i suoi aneddoti. Accadeva il mercoledì, alle 21:00, in un'ampia stanza d'altri tempi situata nell'ultimo piano di uno stabile antico, con soffitti affrescati. Ero insieme a persone che, col freddo e con la pioggia, così come con la luna piena, cenavano in gran fretta e venivano a farmi compagnia, concedendomi di decidere, in modo forse poco democratico, di cosa avremmo parlato. Ufficialmente si chiamano "corsi", ma non amo come suona. Da un corso ci si aspetta tutto un assetto accademico che qui  mancava. Mancava l'urgenza degli esami, il bisogno di rispettare il programma, e così mi è parso logico andare incontro alle esigenze dei partecipanti. Non sempre facilissimo, soprattutto per chi veniva senza un grande interesse per l'argomento, ma è la parte forse più stimolante di questo tipo di situazioni. Ho cercato di smuovere molle, di azionare curiosità verso l'argomento, che forse è ciò che bisogna aspettarsi da questo tipo di situazioni, e per qualcuno so che ha funzionato.

Naturalmente ritengo di dover ringraziare chi mi ha permesso questa esperienza ormai giunta al termine che per me, persona, è stata davvero importante. Sedersi davanti ad estranei che si aspettano "sapienza" mi è parso un concetto impegnativo da gestire, ma l'ho fatto con serietà ed impegno, perché le cose che amo, le faccio così, e naturalmente il clown che c'è in me è venuto fuori con prepotenza quando qualcuno cedeva alla tentazione della pennica. Hanno anche riso. 

Quest'anno il programma, qualora il corso si fosse tenuto, sarebbe stato interamente focalizzato su Gian Maria Volonté. 

Ho trascorso del tempo, durante l'estate e nei messi appena passati,  leggendo libri, guardando film ed interviste sul tema, ed è stato bellissimo ripercorrere le orme di Gian Maria Volonté provando nostalgia per qualcuno che sento molto vicino ma anche irrimediabilmente lontano.

Un ragazzo di vent'anni mi ha detto di non aver mai visto nessun film di "questo attore". Ripensandoci, ho realizzato che Volonté sta al piccolo schermo come io sto alla palestra, quindi per chi usa la televisione come unico punto d'incontro col cinema, Volonté non è mai morto, perché, semplicemente, non è mai nato. Mi dispiace enormemente e vorrei che gli fosse in qualche modo resa giustizia. 

Da_ Un attore contro. Libro/documentario. 

Il mio viaggio nel mondo di Volonté parte dalla fine, dalla parola non detta, dal film che non ha potuto finire perché è morto. Aveva soltanto 61 anni quando si è spento. Era sul set di Theo Anghelopolus col quale stava girando il film: “Lo sguardo di Ulisse” (finché dura, lo trovate su  you tube in versione integrale. Trovate il link a fine post). Era il 6 dicembre del 1994. La sera prima, racconta il regista, Volonté se ne stava solo, in fondo all'autobus che li riportava in albergo e lì beveva vino e cantava le canzoni della sinistra italiana in un tempo in cui, col senno di poi, sembrava già utopia parlare di sinistra come Volonté la intendeva. Forse quel brindare fra sé e sé, cantando, era un modo artistico di congedarsi dalla vita, ma non poteva sapere che stava girando il suo ultimo ciak. Se è riuscito a rendersi unico anche in questa occasione, è solo perché come l’Ulisse che dà il titolo al film, Volonté indossava il senso epico del personaggio che emerge e che brilla anche in mezzo alle folle per grandezza e per senso del viaggio, alla scoperta del nuovo, alla scoperta di se stesso, lottando contro i mostri e contro le paure che diventano il recinto e poi il limite invalicabile di tanti antieroi.

Il titolo del post è desunto da un breve dialogo registrato per il film nel quale l’attore interpreta il ruolo del vecchio direttore della cineteca di Sarajevo, che si affanna a salvare quel che può, in termini di cultura filmica, dalla guerra che incombe. Il compito del custode è di fare in modo “che ne resti la memoria”, perché se è vero che, come recita il suo personaggio: “era tutta la mia vita”, non è sbagliato dire che quella vita era anche la nostra, e con essa, il dovere di memoria. L’abbiamo vista scorrere in pellicola quella vita, alle prese con molteplici mutazioni che fanno pensare ai camaleonti quando assumono il colore del sasso per confondersi ad esso, ma fanno pensare anche alla più volgare schizofrenia. Un attore di talento indossa le vite degli altri fino a dimenticarsi di sé, e quando arriva a somigliare ai suoi personaggi anche fisicamente, allora qualcosa di importante è avvenuto. Pia degli Esposti parla di Volonté come di un matto, ma lo dice con occhi ammirati. E’ un’idea di follia che pone enfasi sulla lucidità estrema, sulla coscienza che spetta a pochi illuminati, che leva dal tran tran delle vite quotidiane. Lui era altro, e che lo si odiasse o lo si amasse, era impossibile non farci caso.

Volonté è nato come attore di teatro, sin da giovane ha recitato per il piccolo e per il grande schermo e prestissimo ha conosciuto il grande successo, senza mai montarsi la testa. Volonté ha prestato i suoi connotati a personalità molto diverse fra loro, come Caravaggio, Giordano Bruno, Aldo Moro, da lui interpretato in due film diversi al punto che a fatica si ritrova una consonanza fra l’attore ed il personaggio, che è sempre Aldo Moro, ma che è raccontato rispettivamente, come vittima di un sequestro da parte delle brigate rosse, quindi come uomo lasciato solo dalle istituzioni e condannato a morire, e poi nelle vesti di democristiano, quindi di uomo politico che era parte dell’ingranaggio. Volonté è stato anche un commissario al di sopra di ogni sospetto, è stato un operaio vittima del sistema di produzione, è stato Lucky Luciano, il “cattivo” che fece tremare chi lo vide come se si fosse trattato di quello vero, tanto gli somigliava. E’ stato Sacco ed anche Vanzetti, ha infatti recitato entrambi i ruoli, uno a teatro, da ragazzo, uno al cinema, da grande.  Nella versione filmica, finita la ripresa del suo discorso davanti ai giudici, il regista era sollevato all'idea che fosse buona la prima, tanto Volonté si era preparato, ma dovette ripetere la scena perché solo alla fine si accorse che una delle guardie, dietro all'attore, piangeva emozionato per ciò che Volonté stava dicendo. La sua fama iniziale deriva da fiction tv come “L’idiota” di Dostoevskji che raggiungevano in prima serata, buona parte degli italiani, la sua notorietà internazionale, la deve almeno in principio, ai famosi spaghetti western, anche se la lista dei suoi ruoli di successo sarebbe troppo lunga per pensare di elencarla qui.

Più di ogni cosa, Gian Maria Volonté è stato figlio del suo tempo, un attore contro, calcando il titolo del bellissimo “Uomini contro”, sull'assurdità della guerra. E’ stato un attore-interprete, un uomo definito spesso difficile, ingestibile, tuttavia, sono stati in molti ad amarlo fino alla venerazione, così come molti l’hanno detestato di un astio sincero. Fra quelli che l’hanno amato, penso ad Ennio Fantastichini di cui ho apprezzato le abilità attoriali nel film “Porte aperte”dove scoprivo con uno strano stupore, un interprete che, in fondo, non sospettavo neppure. Ho avuto modo di vedere la registrazione del commovente discorso di addio di Ennio a Gian Maria, e mi è scesa una lacrima. In piedi, in lacrime davanti al feretro, conclude il suo saluto con un banale: “Ciao amore” chiaramente detto col cuore, così come è evidente la sua stima per il collega ogni volta che ne parla nelle svariate interviste. Penso infine che abbiamo avuto attori di grande talento in Italia, ma il solo che mi appare morto davvero nelle intenzioni di chi manovra i fili del piccolo e mediocre schermo, è soltanto lui, Gian Maria Volonté, oso dire, il migliore.

Allego il link al bellissimo monologo tratto dal filmSacco e Vanzetti, di cui parlavo poco fa. Il problema dei link su you tube, è che hanno vita breve, quindi ad un certo punto potrebbe oscurarsi, ma basta scrivere qualche parola chiave sul motore di ricerca google, ed in qualche modo, si può arrivare ai contenuti cercati.  

"Non lasciatemi al buio, voglio stare davanti al mare" queste le intenzioni di Volonté riportate dal medico Antonio Severini. La sua tomba si trova nell'isola della Maddalena, di fronte al mare.

Link you tube, finché dura, al film in versione completa "Lo sguardo di Ulisse" , ultimo film di Volonté. 

"Germania anno zero" 1947/48

Roberto Rossellini. 1947/48 BN, 78 minuti (It-Germ-Fr) 

#AppuntiDiCinema

“Germania anno zero è un film freddo come una lastra di vetro. Documentazione cronachistica di una certa realtà, quella arida disperata del dopoguerra tedesco, con la sua fame, le sue perversioni, i suoi delitti. Certo, non è uno spettacolo, a vederlo non ci si diverte, ma non si poteva fare diversamente”

Roberto Rossellini

 

Edmund Meschke e

Roberto Rossellini

Scheda tecnica:

Regia: Roberto Rossellini;

Produzione: Roberto Rossellini, Salvo D’Angelo, Alfredo Guarini per Telefilm/sadfi/UGC;

Sceneggiatura: Roberto Rossellini, Carlo Lizzani; Max Colpet, Sergio Amidei 

Fotografia: Robert Juillard  Montaggio: Eraldo da Roma  Scenografia: Piero Filippone

Musica:  Renzo Rossellini.

Premio: Al Festival di Locarno nel ’48  come miglior film, e come miglior soggetto originale.

Molte le lodi, poche le critiche, ma spesso era la politica a determinare un giudizio, non la qualità dell’opera.

“Il mondo del cinema si era riorganizzato, aveva ritrovato le sue abitudini e il suo stile d’anteguerra, e Germania anno zero veniva giudicato in base a tale estetica d’anteguerra. D’altra parte anche il mondo politico si era riorganizzato e giudicava il film in funzione della politica. Le critiche a Germania anno zero mi rivelarono ciò che i giornalisti pensavano rispettivamente sul problema tedesco, ma non furono di alcuna utilità sul piano critico. Allora fui davanti a questo dilemma: O la prostituzione o la sincerità”.

Roberto Rossellini.

“Germania anno zero, ha innanzitutto un grande merito: Quello di far conoscere al mondo , attraverso il grido straziato e sincero di un autentico poeta , il duro destino e la realtà di un paese, il calvario materiale e spirituale dei suoi abitanti . Cogliendo con estremo rigore il dramma di un popolo in profonda crisi umana e sociale, Rossellini suggerisce indirettamente a tutti gli uomini un messaggio di pace e fratellanza”  

Massimo Mida nella rivista “Bianco e nero” (n°1, marzo 1948)

"Quando le ideologie si discostano dalle leggi eterne della morale e della pietà cristiana, che sono alla base della vita degli uomini, finiscono per diventare criminale follia. Persino la prudenza dell'infanzia ne viene contaminata e trascinata da un orrendo delitto ad un altro non meno grave, nel quale, con la ingenuità propria dell'innocenza, crede di trovare una liberazione dalla colpa."

Incipit.  

Trama:

Berlino, 1947: La famiglia del piccolo Edmund (13 anni) è composta da  un padre malato  di cuore e allettato, un fratello nascosto a causa dei suoi trascorsi nazisti, e una sorella che talvolta si dà ad ambigue frequentazioni notturne, per racimolare qualcosa, ma è a Edmund, il più piccolo, che spetta il compito gravoso di mantenere la sua famiglia.

Lo vediamo lavorare in un cimitero, dove si scavano fosse, ma viene licenziato perché denunciato dagli adulti come “Troppo giovane”, dunque inadatto (toglie lavoro a loro). Ruba dei pezzi di carbone, viene scacciato in prossimità di un cavallo morto per strada, che attira molta gente affamata. Vive insieme ad altre famiglie, per disposizione statale, e il padrone di casa, tollera male la presenza di questi estranei. Non perde occasione per rubare sulla luce, e su quel che può. Edmund si impegna a vendergli la bilancia pesa-persona della figlia –stupida- e viene imbrogliato da un uomo losco. Incontra per caso un insegnante pedofilo e nazista che lo aveva avuto in classe. Questi lo porta a casa sua, lo accarezza morbosamente e lo manda a vendere dischi contenenti discorsi di Hitler a militari americani. Intanto conosce due ladruncoli di strada, e prova a seguire il loro esempio. A casa i litigi aumentano perché il padre rimprovera il fratello vile, e ingiustamente, dà uno schiaffo al ragazzo perché rientra molto tardi. Palese è l’ingiustizia di quel gesto, e si finisce col simpatizzare col ragazzino. Intanto il padre peggiora e deve andare in ospedale, dove mangia bene (Ricorda una scena di Umberto D di De Sica) ma al ritorno a casa, i problemi sono sempre gli stessi. Edmund chiede consiglio al suo professore, che, sbrigativo, perché alle prese con un altro ragazzino,  tira fuori le sue tesi naziste, ovvero: Eliminare il peso morto della famiglia. Il debole. (fra Nietche –superuomo- e Darwin -la legge del più forte). Edmund prende alla lettera il consiglio e, tornato a casa, avvelena il padre con una tazza di thé. Torna dal maestro che, “inorridito” dal fatto (che lui stesso gli aveva consigliato) prende le distanze. Reazione isterica del ragazzo che piange, fugge e si sente tradito dal mondo degli adulti (a ciò si aggiunge la prima lezione dell’educazione: L’irreversibilità dell’esperienza). Segue un momento di “dispersione” in cui vaga lungo le strade, e salterella (come dovrebbero fare i bambini, e come faceva Romano, il figlio del regista, morto di appendice in Spagna poco prima) nello scenario di epica devastazione che si respira ovunque a Berlino. Entra i in una casa devastata, osserva da lontano (e dall’alto…che a mio avviso suggerisce una visione “oggettiva”, una presa di coscienza, proprio perché dall’alto)  e si getta nel vuoto per i sensi di colpa, sotto lo sguardo della sorella.

Germania anno zero, è il terzo film della “Trilogia della guerra” di Rossellini.

1_Il primo è “Roma città aperta” 1945, ambientato a Roma, a un passo dalla liberazione (le truppe alleate sono già sbarcate, dunque è questione di tempo).

2_Il secondo “Paisà" 1946. Film a episodi.

3_Germania anno zero 1947/48, è ambientato a Berlino, la città “nemica” perché è qui che nasce il nazismo (in una scena del film, è mostrato il luogo in cui la salma di Hitler è stata presumibilmente bruciata, e dei soldati americani si fanno una foto lì vicino. Altrove, dei soldati acquistano un disco contenente i discorsi del Fürer).  

Mi sembra importante vedere entrambi i film, quello romano e quello tedesco, in sequenza, per coglierne appieno lo spirito e le affinità tematiche. 

Tutti, in questa pagina di storia degli orrori, hanno perso buona parte del perdibile. Rossellini,  pur essendo sopravvissuto alla guerra, ha perso il figlio Romano per un’appendicite.

Ecco come il figlio Renzo Rossellini, ricorda questo evento:

Da "Chat room" 

Perché sceglie questo bambino per la parte di Edmund… (per altro, gli lascia il suo vero nome)

O.C. “Questo film è dedicato alla memoria di mio figlio Romano” è scritto su un cartello di testa del film. Tua madre, Marcella de Marchis, tempo fa mi rivelò che il protagonista del film, Edmund Meschke, per Rossellini fu quasi l’alter ego* del figlio deceduto. Ma fino a che punto la morte di tuo fratello Romano influì sul cinema di tuo padre?

*Secondo la moglie, Roberto ha rivisto in Edmund molto del figlio, soprattutto la fronte spaziosa. La scena della passeggiata 

= Papà si è portato appresso tutta la vita la morte del suo primo figlio. Dolore/domande. E’ logico pensare che quella morte abbia influenzato non solo Germania… ma tutti i suoi film successivi al 1946.

Dal libro: “chat room Roberto Rossellini”  (Vedi in fondo alla pagina per riferimenti IBS)       

  

La sua storia “individuale” finirà col mutare la sua visione d’insieme nei confronti della storia “collettiva”, suggerendo il bisogno di tornare ad una dimensione umana, a prescindere dalla terra di appartenenza.

“Il dramma comune di tutti i vinti della storia. Oltretutto… il primo film in assoluto in cui si osservi il conflitto dalla parte degli sconfitti, non per schierarsi con essi, ma promuovendone la pietà come antidoto all’odio.” –dal libro: “Chatroom Roberto Rossellini”

I tedeschi nel film, sono messi peggio dei Romani (che da loro vengono occupati), ma sono i bambini le vittime più esposte della guerra (non solo questa)

Gli adulti non esitano ad usare il bambino, o a liberarsene per interesse personale. (come non notare  la struttura, se vogliamo … circolare del film, che inizia attorno ad una fossa vuota che in parte Edmund contribuisce a scavare, e finisce con Edmund morto?)

In generale, ci giunge la sensazione che il bambino, pur essendo in balia degli adulti, non abbia nessun diritto alla parola, all’azione, alla storia, se non diventandone vittima o comunque, assorbendone le conseguenze.  

Rossellini redige due progetti di sceneggiatura per il film.

-Il primo  lo scrive mentre si trova a Parigi (sede della produzione: Union Générale Cinématographique). Propende in principio, per un racconto “corale”, in stile “Paisà”, e lo desume da racconti sulla Germania da chi, come Marlene Dietrich, era reduce da una lunga turnée al seguito delle truppe di occupazione americana. L’attrice in quel periodo ha una storia con Jean Gabin, (Rossellini con la Magnani) quindi non cade ai suoi piedi, come molte sue colleghe, comunque lo stima e lo considera suo amico.

-In un secondo momento, il regista va di persona a Berlino coi suoi collaboratori, e ne ha una percezione diversa rispetto ai racconti degli altri,  tanto che la sua prospettiva filmica si rovescia, fino ad optare per un film avente a soggetto un solo personaggio principale, e così nasce un secondo copione, quello definitivo (il primo è andato perduto).

-Lo stato d’animo:

-La percezione dei suoi collaboratori:

Carlo Lizzani, aiuto regista, racconta in un’ intervista... Di essere rimasto a Berlino un mese e mezzo, mentre Rossellini era a Parigi, ed ebbe modo di osservare con attenzione la vita della città. A lui si devono le scene del furto del carbone e del cavallo morto (I 400 colpi… c’è un cavallo/statua) inoltre il regista gli fa girare la scena del suicidio! –da chatroom…

Quel che resta di Berlino, serve alla regia, per mostrare la cornice di un quadro apocalittico che basta da solo a raccontare la pesante sconfitta di un’ideologia, di una nazione, di una follia collettiva, ma serve anche, e soprattutto a raccontare la proiezione sullo schermo delle ferite profonde che la guerra ha lasciato sull’anima di un bambino, -encicl. Cinema Treccani-

Il bambino di Rossellini è vittima del nazismo pur essendo tedesco. E' morto come i bambini ebrei, anche se in un caso la morte è stata subita, nell'alto caso è stata cercata, ma per cause di forza maggiore. Entrambe però sono vittime  della "storia", ovvero di un sacrificio del tutto evitabile.

Quindi un paesaggio urbano che, come in epoca romantica, evoca lo stato d’animo del suo personaggio.  Tutto nel film, rimanda ad una dimensione onirica ed ogni traccia di naturalismo che si era vista in altre opere che precedono il neorealismo, è completamente riassorbita e sublimata.

– Enciclopedia del cinema Treccani-

Anche la musica racconta precisi stati d’animo.

“La musica di mio zio –Renzo Rossellini- non è un optional nei film di papà, ma è parte del racconto, ne esalta lo spessore. Che piaccia o non piaccia. La musica dei grandi musicisti del cinema ha un valore relativo ascoltata disgiuntamente dalle immagini per le quali è stata composta. Papà era attentissimo a tutti gli effetti sonori, non solo della musica. Spesso voleva vedere in moviola le immagini accompagnate solo dal dialogo, rumori ed effetti, per capire se il montaggio aveva il giusto ritmo. 

–da Chat room….

Molto di questo materiale, è desunto dal libro: “Chat room Roberto Rossellini”

Conversazione fra Renzo Rossellini (figlio) e Osvaldo Contenti.  

link a IBS 
[Luca Sossella edit.. 15 euro. ]

Jean Vigo

Parigi 26/04/1905 - Parigi  15/10/1934.  Muore a 29 anni.

#AppuntiDiCinema

Figlio di anarchici (il padre è: Eugène Bonaventure de Vigo, di origine basca, detto: Almereyda) figura simbolica di un movimento di lotta, (oscure trame politiche che hanno segnato la Francia nei primi decenni del '900) sarà per questo assassinato in carcere nel 1921 (Secondo alcuni però, è morto di appendicite!). Jean ha solo 16 anni.

Sin da piccolissimo, sua madre lo avvolgeva in una coperta e lo portava in giro per la città, alle riunioni anarchiche, forse questo vagare notturno in zone umide e fredde, minerà la salute del regista, che morirà molto giovane. Per tutta la vita, Jean cercherà di ribaltare la memoria del padre, e i fatti fin qui narrati, segneranno la sua vita e le sue opere, che sono solo quattro, anzi, tre e mezzo visto che L'atlante non riesce a montarlo, eppure diverrà una delle figure di maggiore spicco nel panorama cinematografico internazionale e di tutti i tempi.

“Col pretesto che il cinema è nato ieri, noi ce ne serviamo infantilmente, nello stesso modo in cui un papà balbetta per farsi comprendere dal suo bimbo. Dirigersi verso un cinema sociale è consentire di svolgere una miriade di soggetti che l’attualità consentirebbe di rimuovere di continuo. E’ liberarsi da due paia di labbra che mettono tremila metri per unirsi e quasi altrettanti per staccarsi”

J. Vigo.

 “Lo sguardo liberatorio di Vigo ha scosso alle fondamenta l’intera storia del cinema. Insieme ad altri disertori della morale corrente, come Orson Welles, Luis Buñuel… Carl Th Dreyer, Dziga Vetrov, Jean Luc Godard, Pier Paolo Pasolini… Vigo ha “messo a fuoco” i pregiudizi e il costume del proprio tempo. Ha visto nella ragione dei potenti il sopruso e nella cultura cattedratica, un’operazione di oltraggio contro ogni individualità creativa. Con Vigo il cinema brucia. Viva il cinema!

E anche:

“Vigo considerava la bibbia come la  lebbra, e lo Stato un mattatoio, dove l’ingiustizia sociale e la divisione tra liberi e non liberi distruggono ogni forma reale di consapevolezza dell’esistere. Il suo cinema indica il passaggio dall’età della necessità a quella della libertà, preconizza sullo schermo la costruzione di una società priva di padroni che nasce da una comunità di uomini… Quello che Vigo disseminava nei suoi film era un’anarchia lucida, amara, radicale e infondeva in ogni metro di pellicola, l’amore per l’utopia e le turbolenze della libertà.”

“Uno dei principi estetici che seguiva, era quello del “cineocchio” di Vetrov, il quale scriveva nel saggio “L’occhio della rivoluzione, scritti dal 1922/1942": 

“...Non dobbiamo copiare l’occhio, ma riuscire a contrapporre una vita com'è vista da un occhio armato di macchina da presa, alla vita com'è vista da quello strumento imperfetto che è l’occhio umano.”  

Pino Bertelli nel libro –interessante- “Cinema dell’eresia” NDA press -15 Euro

LINK A E BAY ...dove costa meno! -clicca-

Nb: Molto di quello che scrivo in questo post, deriva dallo studio di Bertelli! 

Morto il padre, Jean si separa dalla madre e va a vivere sulla Costa Azzurra, da un amico di famiglia, Gabriel Aubés, per via della salute cagionevole e per problemi economici che deve affrontare.  

Studia in un collegio sotto falso nome (Jean Sallese), a causa del clima violento e pericoloso che aveva investito la famiglia Vigo, dopo la morte del padre. 

Giovanissimo, dovrà ricoverarsi in un sanatorio a Fort Rameau. La scuola non è il suo forte e non sarà mai fra i migliori della classe. Ama leggere libri di storia e romanzi sociali. Guardando Charlot scopre l’amore per il cinema. –Pino Bertelli-

City lights - C. Chaplin. 1931 

Incontra Lydou (Elisabeth Lozinska)♥ e con lei si trasferisce a Nizza dopo le nozze.

Ha 20 anni quando il cinema diventa la sua ragione di vita e questo nonostante le condizioni di vita estremamente precarie, sia da un punto di vista economico che di salute. Grande è il ruolo nella sua formazione “estetica/ideologica” di registi come Vetrov, e Buñuel.

 “Vigo resta fulminato dalla radicalità visuale di –un chien andalu- 1929- di L. Buñuel e scriverà che questo film insegna a “Saper guardare con altri occhi che non quelli abituali” poiché gli occhi abituali sono anche quelli posti al servizio della cecità morale, dell’indifferenza, della messa a morte del senso da parte di quella ideologia dominante che si maschera dietro le pretese del “senso comune” e dietro una morale di schiavi.” Bertelli, nel libro “Cinema dell’eresia”  –p 11- "cinema dell'eresia" 

 

Kaufman, Vigo. 

Decisivo è l’incontro con Boris Kaufman, fratello minore di Dziga Vetrov, direttore della fotografia francese di origine russa. Nel 1927 emigra in Francia, dove conosce Vigo che lo fa lavorare come operatore al documentario “A proposito di Nizza” del 1930, e lo richiede anche per gli altri suoi due film…  Così Vigo “Scopre” l’avanguardia sovietica, dopo aver incontrato quella occidentale, a Parigi, in un cinéclub.

A propos de Nice  - Documentario di Jean Vigo. 1930 

1930 A PROPOSITO DI NIZZA/A propos de Nice. Point de vue documenté  

LINK YOU TUBE...dunque, finché non lo cancellano!  42 min/documentario.

Ecco dunque il regista alle prese con la sua prima regia. Alla fotografia,  Boris Kaufman. “…ed è subito cinema di poesia” –Bertelli. Mesi di preparazione e di ricerche, migliaia di metri di pellicola impressionati con una m.d.p di seconda mano.

= La m.d.p segue le sfilate di carnevale, le passeggiate dei borghesi in vacanza e le contrappunta con immagini di scene desolate della città, il tutto con movimenti asciutti e seducenti.

= Il volto preso alla sprovvista dei turisti viene mischiato con sapiente regia (Montaggio incrociato) alle maschere del carnevale e l’esito è un effetto beffardo e corrosivo.

= Nel film troviamo anche immagini simboliche, trasgressive, come piedi nudi coperti di lucido come fossero scarpe, o una donna nuda seduta sulla Promenade des Anglais, e altro.

= Presentato una prima volta al Vieux Colombier di Parigi, ottiene consensi ma quasi nessuna recensione.

= Pochi giorni dopo, nuova presentazione del film nello stesso luogo, questa volta sarà Vigo stesso ad introdurre il lavoro.  Per l’occasione scrive: “VERSO UN CINEMA SOCIALE” e qui espone le sue teorie sul punto di vista documentario:

“… Verso un cinema sociale teso a risvegliare echi diversi dai tutti di quei signori e signore che vengono al cinema per digerire” “La m.d.p. deve essere puntata su ciò che va considerato come un documento e che in fase di montaggio deve essere interpretato come un documento”

Jean Vigo.

Aspettando di poter realizzare un nuovo film, crea a Nizza un CINECLUB (Les amis du cinéma), inaugurato da G. Dulac, regista. L’iniziativa diverrà presto un modello per situazioni analoghe che si vanno creando ovunque in Francia. 

-Sfruttando la situazione, Vigo guarda molti film, e si misura con la critica.

Taris, campione di nuoto francese, sulla cui figura,
Vigo realizza questo documentario. 

1932 TARIS O IL NUOTO/Taris ou la natation .

Link via you tube ...finché dura!

–corto di 12 min nel quale si intende promuovere il nuoto attraverso Taris, che in questa disciplina primeggia. 

-Da un p. di vista cinematografico: summa dei motivi di avanguardia, anche se Vigo è insoddisfatto.

Scrive Bertelli:

“In Taris, Vigo riesce a intrecciare il “meraviglioso” nel quotidiano … Nel suo cinema, la magia dell’acqua, si presenta come forma placentare di pensiero e sembra dire: “Abitare è essere ovunque a casa propria”. O meglio, solo il fantastico può dare vita a un’ altra intelligenza. L’inatteso, il disordine, lo sconosciuto, l’assurdo, l’ impossibile … L’acqua che scorre nei suoi film (quella del mare, nelle passeggiate a Nizza, o la piscina di Taris, o le latrine visitate in Zero in condotta, o l’acqua magica del canale di L’Atlante), è parte della storia narrata... disvela a ciascuno ciò che è misterioso e sconosciuto…

L’uomo nasce innocente e buono, diventa mostruoso e vigliacco con la famiglia, il lavoro, la chiesa, lo stato, la guerra… il suo cinema intende riappropriarsi della felicità originaria, del tempo in cui miseria, sfruttamento e violenza, erano banditi da ogni casa/cuore.”

Zero in condotta. Scena della lotta di cuscini. 

1933 Zero in condotta, 44 min. B/N.

        Il film nasce grazie ai fondi di Nuñez, un ricco allevatore che vuole fare il produttore di film.

        Le riprese durano poco più di una settimana. (otto giorni negli studi, nove e mezzo negli esterni)

        = Gli interni sono girati negli studi della Gaumont, gli esterni a Saint-Cloud, con l’assillo della fretta e l’obbligo di rimanere nei 1.200 metri di pellicola imposti dal produttore.

Qui si ribadisce l’utopia anarchica di Vigo, il senso di rivolta contro ogni forma di autorità, e l’amore disperato per la libertà politica, di religione e di colore della pelle di ogni individuo (uomo o donna)

Il film è ambientato in un collegio, nel quale i ragazzi rientrano dopo le vacanze. Sul treno, che li riporta in istituto, si narra il clima gioioso che è proprio dei ragazzi, ma poi l'incontro con le istituzioni, incupisce gli animi, solo Huguet (Recitato da Jean Dasté e che spesso sembra omaggiare Chaplin nel corso del film), sembra più vicino alla mentalità dei ragazzi che a quella degli altri adulti bacchettoni. Il rettore è un uomo molto basso (interpretato da un bambino) e si nota un intento canzonatorio ben riuscito verso le istituzioni.
La rivolta avrà luogo il giorno della festa del collegio, ma sarà decisa di notte, in camerata, da tre figure dominanti: Caussat, Colin, Briel, sottoposti alla punizione. I ragazzi salgono sul tetto e, da lì, lanciano molliche di pane e oggetti vari al cortile in cui tutti si preparano a festeggiare. Infine issano la bandiera dell'anarchia sul tetto, per sancire la loro vittoria.

AUTOBIOGRAFICO

Amarezza e rabbia concorrono nel narrare con delicatezza ma anche con forza, la storia personale del regista, e questa ricetta vincente fa si che il film mantenga la sua freschezza negli anni (Come sarà per “I 400 colpi” Truffaut)

Infanzia e adolescenza di Vigo finiscono sullo schermo, così come le infelici esperienze personali e le sofferenze del padre, che Jean aveva sentito descrivere da bambino. Finite le riprese, il regista dirà a un giornalista: “Questo film è talmente la mia vita da bambino che non vedo l’ora di passare ad altro”

= La sequenza più celebre: Giovani collegiali in rivolta, che inscenano una sorta di danza sui letti, sotto la pioggia di piume di sapore squisitamente liberatorio.

Questo film abolisce ogni legame familiare, culturale, ideologico. Vigo dice di non avere né madre né padre, né città o paese che gli appartengono… non ha più niente! Solo compagni di gioco e di strada. Per il regista il collegio è la metafora della società borghese, ma evita gli schieramenti oppressore/oppresso, e non contempla l’ipotesi di una futura “lotta di classe”.  Il suo inno alla  ribellione è fedele al suo credo anarchico.

Durante la rivolta nel dormitoio, una processione di ragazzini: Tono blasfemo, perché segna la dissacrazione dei rituali del cattolicesimo inoltre, durante la festa: clero ed esercito sono rappresentati da manichini

Il film di Vigo getta il linguaggio cinematografico fuori dalla “fabbrica dei sogni” La macchina-cinema non riflette quello che sa, filma solo quello che ignora. Seduce ma non interroga, sconvolge ma non interroga. –Borelli- E ancora, la fotografia del film (curata da Kaufman) è grezza, sofferta, randagia, ma spesso raggiunge la “Bellezza documentaria” di “La passione di G D’arco” di Dreyer, di “Boudu salvato dalle acque” Renoir…

La musica invece gli conferisce un tono di malinconia e leggerezza, e sottolinea l’impossibilità di essere felici in una vita in cui gli umori politici segnano il destino dei popoli del mondo,

Il film incarna il rifiuto di ogni ragazzo a sopprimere la propria immaginazione, fantasia, libertà…qui viene liquidata quella filosofia, psicologia, dottrina dell’adattamento, che il sapere degli adulti porta contro i bambini e continua a perpetuare “piccoli servi” della civiltà dello spettacolo. Gli adulti nel film non hanno  la parola, e la bandiera che viene issata sui tetti del collegio è quella dell’anarchia.

Il film sarà proibito dalla censura (riapparirà solo nel 1945!) per la carica distruttiva ed irriverente delle sue immagini, contro le istituzioni (Professori, scuola…adulti!)

Scrive  Borelli: 

“Le opere di Vigo sono un atto di accusa contro il pensiero istituzionalizzato e istituzionalizzante. Un invito al viaggio onirico nella trasgressione, nella disobbedienza, nella rivolta. Zero in condotta verrà proibito in Francia perché ritenuto lesivo alla comunità, pericoloso per l’ordine costituito.

= Il giornale cattolico “Omnium Cinématographique” scrive che il film è “opera di un maniaco ossessionato, che esprime senz’arte i suoi turbamenti… e aggiunge “Sarebbe necessario che una censura ci fosse, una vera!

= Non troppo diverso il tono del presidente della commissione di controllo, Edmond Sée: “Su tutte le questioni artistiche e morali, la nostra opinione è preponderante…ma per i film che possono creare disordini e nuocere al mantenimento dell’ordine, il parere dei rappresentanti dei ministeri dell’interno, e degli affari esteri, ha forza di legge. Il loro veto è insomma, senza appello”

= Un amico di Vigo scrive in sua difesa: “Il tuo film credo di averlo capito, e mi ha trascinato… ci ritrovo le mie idee contro un governo marcio che, eletto da una nazione di imbecilli, ci conduce ora verso una decadenza sicura e precipitosa. Bisogna che il collegio sia rovesciato, bisogna issare bene in alto la bandiera della rivolta, perché la gente intelligente la veda”

= Il film circolerà clandestino nei cineclub d’Europa  (pag 9  Borelli “Cinema dell’eresia")

La critica di destra si scandalizza per tale divieto, quella di sinistra storce il naso e ciò non giova al regista, costretto ad accontentarsi di una sceneggiatura banale e stucchevole, da un soggetto mediocre di Jean Guinée (Pseud. per R. Guichem) che poi diventerà: L'atlante. 

L'Atlante J Vigo 1934 

1934 L’ATLANTE  è il suo ultimo film, e non sarà mai concluso, perché il regista morirà prima del montaggio.

Questa era l'idea originale alla quale Vigo avrebbe dovuto attenersi: 

Juliette, giovane contadina, sposa Jean, (doppia J, come più avanti Roché nel libro “Jules et Jim”) proprietario di una chiatta, sulla quale vive col vecchio Jules (è lo stesso nome di un personaggio di Roché. A mio avviso, ci sono molti punti in comune fra la storia di Roché, l'adattamento di Truffaut, che amava Vigo, e "Jules et Jim" cinematografico che ben conosciamo), un mozzo e un cane.

Approdati in terra ferma, la ragazza riceve avances da un marinaio, che le propone di seguirlo in città. Lei, turbata, sale sul treno e fugge. Jean per orgoglio non va a trovarla e riparte senza di lei. Tempo dopo la chiatta fa scalo in città e il vecchio Jules si mette alla ricerca di Juliette. La trova in una chiesa, sola, che piange e la riconduce a Jean.

Vigo trasforma questa storia qualunque in una storia inquietante e disperata. Egli si rende subito conto che basta qualche “innocuo” scambio per trasfigurare la sceneggiatura e farle assumere un segno diverso. Ex:

IL MARINAIO: Diventa un bizzarro venditore ambulante. Viene meno così il mito del seduttore per antonomasia, e al suo posto... la figura di un uomo libero fino alle estreme conseguenze, che ricorda forse la figura di "Boudu salvato dalle acque"(1932) di Renoir.  

IL CANE: Privo di precise connotazioni, diventa … gatti (plurale) ed essi apportano un senso di mistero, sgretolano la storia, invadono la chiatta, riempiono la cabina di Jules, il marinaio, unendosi alle cianfrusaglie che abbondano un po’ ovunque nel minuscolo spazio.

Così la trama si trasforma ed abbiamo:

Jean (Jean Dasté...che già abbiamo incontrato in "Zero in condotta" nelle vesti del giovane maestro) e Juliette (Ditta Parlo) si sposano nella chiesetta di un paese. Un corteo li accompagna fino alla chiatta dove il mozzo ritardato (Louis Lefebre) e Père Jules (Michel Simon) hanno addobbato il barcone. Il viaggio sulle acque della Senna fanno scoprire a Juliette l’amore e la noia (in questo senso, per alcuni, la chiatta: metafora del rapporto di coppia…)

Prima pare attratta dai racconti esotici di Père Jules, e dai feticci dei suoi viaggi, tutti rinchiusi nella sua cabina insieme ai gatti, poi il marito Jean li scopre, coglie l’intimità fra i due e si arrabbia. Il vero nemico però è un venditore ambulante che invita la ragazza a ballare, e poi ad andare con lui a Parigi. E’ libero fino alle estreme conseguenze, Jean si ingelosisce, e per questo tiene il muso alla moglie che, di notte, scappa e si ritrova spaesata, nel mezzo delle convenzioni e gli eccessi della città (Parigi). L’orgoglio impedisce a Jean di andarla a cercare, ma sta impazzendo. Una leggenda (Raccontatagli da lei) dice che “nelle acque limpide si può vedere il volto di chi si ama”, così lui mette la testa in un secchio, ma non basta, quindi si tuffa nella Senna, e la vede, col suo abito da sposa, e pare che danzi… alla fine, di passaggio ancora a Parigi, père Jules va a cercarla, la trova in un negozio di dischi e la riporta al marito, così ripartono sulla via dell’acqua, verso la felicità…forse!

IL REALISMO di Vigo intreccia, coniuga, la simbologia del viaggio e l' atmosfera ludica. La sua anarchia è forse meno rigida che altrove, ma è molto presente. Rimanda infatti ai poeti dell “amour fou” come Rimbaud, Mallarmé, Lautréamont…  per loro la vita consiste nel divenire della vita che si fa sogno, realizzazione del desiderio.

Rassegnazione, indifferenza, portano all’ impotenza e i “semplici”, a forza di essere semplici divengono stupidi. La cosa più inebriante nel cattivo gusto, è il piacere aristocratico di dispiacere (per Baudelaire!)

Questo vagare sulle acque del fiume, come metafora di un modo di tirarsi fuori dalla mediocrità generalizzata e scardinare la follia collettiva elevata a sistema.

Come? Con la disobbedienza… con il distacco dalle idee costituite di famiglia, religione e patria.

Qualcuno paragona sto film a Boudu salvato dalle acque, di Renoir, anche quello con Michel Simon e Jean Dasté, ma se somigliano non è per la comunanza delle “acque”, quanto per gli intenti di liberare l’individuo.

1933 Boudu salvato dalle acque/B. sauvé des eaux  (il soggetto: da una pièce teatrale di René Franchois)

-Fra le sue opere più geniali/misconosciute, osteggiate, occultate.

-La sua riscoperta si deve ad H. Langlois e alla Cinémathèque di Parigi.

Un filantropo libraio parigino, salva Boudu dalla Senna e se lo ritrova a casa, nonostante l’aperta ostilità della moglie di lui. Vagabondo, anarchico, maldestro, invadente, insofferente verso le regole, egli sconvolge in poco tempo la tranquillità borghese dei due. Ci prova con la cameriera, si porta a letto la padrona di casa, e mostra sincero stupore quando il  libraio si lamenta e minaccia di cacciarlo, anche se infondo ne è affascinato tanto da combinargli il matrimonio con la cameriera.

Il giorno del matrimonio, durante una gita in barca sulla Senna, B. clochard vestito a festa, finisce in acqua e piuttosto che affrettarsi a risalire, si lascia trascinare dalla corrente lontano dalle grida di richiamo della futura moglie. Una volta a riva, ritrova la sua libertà.

= Quando esce, sarà un clamoroso fiasco di pubblico. Torna alla ribalta dopo anni di vuoto, e si dimostra un capolavoro di R. Girato in piena libertà stilistica , con molte invenzioni, senso dello humour, ironia e favorito dalla recitazione di Michel Simon, che sa calarsi nei panni del clochard che attratti repelle ed a tratti affascina.

1934, ormai minato dalla tubercolosi, parte immediatamente per un periodo di riposo. Morirà pochi mesi dopo, senza riuscire a montare il film.

I responsabili della Gaumont, visionando il materiale, si rendono conto che il regista ha stravolto del tutto il soggetto originario. Decidono di montare il film, senza usare le parti più inquietanti ed aspre. Vi aggiungono un ♫ motivetto di moda: Le chaland qui passe, che diventa per un po’ il titolo del film. In Italia il film viene associato al motivetto “Parlami d’amore Mariù”, cantata da Vittorio de Sica,

Dopo tre settimane di programmazione, il film, denaturato, mal compreso e di scarso successo, viene ritirato ed abbandonato nei magazzini, dove rimane fino al ‘49 (a parte qualche sortita nei cineclub nel 1940) Intanto a Parigi, esplode il culo “Vigo”, aumenta così la domanda del film in versione originale (che di fatto… non è mai esistita!)

1940, la Gaumont presenta una versione rimontata e col titolo originario “L’Atlante”, e qui si restituisce quasi per intero l’atmosfera voluta da Vigo. (Se ho ben capito, il lavoro lo fa Langlois, ma non sono sicura sia questo)

Pierre Philippe e Jean Louis Bonpoint, due filologi, analizzano il film in dettaglio, e si rendono conto che molte scene della precedente versione sono state soppresse, e loro si preoccuperanno di ripresentare al festival di Cannes del 1990 la copia definitiva (come detto, la versione “originale” non l’avremo mai. Ciononostante, il film è un capolavoro per suggestione.) così scrisse Le Monde per l’occasione:

“Il film maledetto del cineasta maledetto è rinato in tutta la sua bellezza, nell’ originalità della scrittura… ora possiamo finalmente ammirare il suo realismo sociale e poetico, la sua esaltazione, l’amour fou, il suo onirismo, il suo spirito anarchico, il suo ritmo narrativo che si accorda felicemente con la musica di Jaubert.”

Prédal: L’Atlante = SOSTITUISCE agli stereotipi del realismo poetico.

La verità esistenziale del pilota di una chiatta fluviale e di sua moglie e la bizzarria del vecchio marinaio (Michel Simon coi gatti) con cui i due dividono l’imbarcazione. Il film inizia con un corteo nuziale che avanza fra i prati di periferia. Alla fine, l’happy ending, ma senza escludere povertà  e grigiore.

La semplicità del quotidiano subentra agli stati d’animo, e il tema del vagabondaggio è imprigionato tra le sponde di canali che non sfociano nel richiamo del mare aperto.